La historieta maldita.

En este artículo se realizara un análisis sobre lo que fue la historieta de ciencia ficción  El Eternauta, pero en su segunda edición, la  que fue lanzada por la revista “Gente” en 1969.

En esta oportunidad el famoso comic argentino, sigue la historia escrita y presentada en la primera edición por Héctor Oesterheld, pero los dibujos que la acompañan no son los realizados por Francisco Solano López, sino que esta vez la historia va a ir acompañada por el trabajo del dibujante Alberto Breccia

Se podría denominar a esta entrega realizada por el semanario “Gente” como la segunda parte del Eternauta. Si bien en un principio pretendía reflejar la dimensión y complejidad de la primera edición, no pudo lograrlo. Esto se debió a que la historieta no provoco el efecto o impacto que la revista esperaba, pero el problema principal era que las oposiciones entre la temática de la revista y el perfil de la historieta eran demasiadas.

La revista “Gente” en 1969 era un semanario que buscaba distraes a la sociedad e implantar en ésta debates sobre acontecimientos de poco interés, discutir sobre entrevistas de personajes de importancia relativa o nula para determinados sectores de la sociedad. Esta revista hablaba de artistas nacionales e internacionales, y llenaba sus páginas con gran cantidad de publicidad. Trataba de mostrar un estilo de vida y una realidad que no era la que se vivía por aquellos años en Argentina.

Esta revista hacia oídos sordos a los enfrentamientos que se percibían en nuestro país. Con estas temáticas se buscaba que la gente que la compraba no pensara en el gobierno de facto que controlaba a nuestro país, ni del latente Cordobazo y los distintos conflictos que se vivían a lo largo y a lo ancho de la Argentina.

Pero en el medio de todo esto, la revista “Gente” decide publicar esta nueva versión del Eternauta. Si bien ésta historia tenía un guión conciso realizado por Oesterheld, se metían de lleno al desafío de que los dibujos de la misma esta vez sean realizados por Breccia, quien tenía un estilo muy diferente y mucho más moderno que el de Solano López. Esto termino siendo un problema para la continuidad de esta historia. Al principio todo iba según lo planeado y la historieta salía semanalmente junto a la revista, y cada entrega era de tres páginas. Pero a medida que la historia y las entregas fueron avanzando, la revista empezó a recibir comentarios en contra de su publicación. Los principales reclamos eran en contra de los dibujos de Breccia, y el público que consumía la historieta se quejaba de que estos eran confusos e inentendibles.

Breccia se encontraba en un proceso de autodescubrimiento de su estilo, y esto pareciera que provocó muchas molestias en el público. A partir de esto, el editor de la revista Carlos Fontanarrosa pidió disculpas a sus lectores por poner en circulación esta nueva edición del Eternauta. Poco le importó a Fontanarrosa que Breccia le haya dado más sentido historietístico a sus dibujos, que la obra que está realizando no fuera solo un producto para comerciar, si no que era una nueva representación cultural.

Primero quisieron que Breccia cambiara y modificara sus dibujos, pero éste se resistió a la idea. Así que la revista “Gente” tomó la decisión de dejar de publicar El Eternauta. A partir de esto, se tuvo que sintetizar y abreviar más de la mitad de la historia en unos pocos capítulos.

De esta forma la historia de Oesterheld y Breccia pareciera ser que está maldita. Mucho fanáticos podrían pensar que a esta nueva y original versión la tocó la nevada mortal del Eternauta. Fue una historia que arrancó lentamente, que se encargó de remarcar los detalles más importantes y de innovar en los gráficos y los dibujos, para que se llegara al final menos pensado.

El Eternauta desde el principio se encuentra frente a situaciones desconocidas, y lo acompañan a lo largo de toda la historia. Es un poco lo que le pasaba a la sociedad argentina en esos años. Pero si hay algo que queda claro en la historieta es que no hay que dejarse dominar por el miedo y el pánico, sino que hay que arriesgarse y actuar. Esto es lo que nos propone la historia de Oesterheld, y este mismo mensaje estaba siendo leído por muchas personas.

Esta historia no tiene un final concreto, y se pierde mucho en este resumen de lo que fue la edición original. El enfrentamiento contra los invasores sucede muy rápido y la narración pierde mucho sentido y deja varias cuestiones inconclusas

No se pudo lograr que la historia se explayara completamente y expusiera ante los lectores el sentido metafórico con el que cuenta. La riqueza de contenido de esta obra es inigualable e incomparable con otros trabajos de toda época. Esta historieta impactaba directamente sobre la realidad argentina, y en algunos momentos se puede entrever cómo la ficción y la realidad se entremezclan formando una sola.

Tal vez nunca se sepa el verdadero sentido de por qué se decidió dar de baja la historieta de la revista. Muchos podrán pensar que se debió a la simpatía que la revista “Gente” ofrecía por el gobierno de facto. Lo que sí se sabe es que las dos tenían objetivos muy distintos y buscaban transmitir mensajes diferentes a la sociedad. Estas diferencias fueron irreconciliables.

El Eternauta, parte dos: el trazo de Breccia, la mente de Oesterheld (1969)

El Eternauta, parte dos

El trazo de Breccia, la mente de Oesterheld

Una versión maldita en pocas palabras podría decirte para que no avances más allá de estas primeras líneas, pero antes querido lector, si te dejas llevar con la mirada hasta el final de esta nota, nos vamos a introducir un poco en la lectura y análisis básico de la obra “El Eternauta”, en la cual voy a contarte específicamente sobre una edición de 1969 con dibujos de Alberto Breccia y guión de Héctor Germán Oesterheld.

Todo comienza cuando un señor mayor se encuentra en el estudio de su casa escribiendo con calma algún que otro guión de historietas que tratará sobre las aventuras de hombres valientes en el Pacífico Sur. De la nada una especie de fantasma lo asombra y hace levantar de su silla, las palabras de quien se le aparece frente a él fueron: “estoy en la Tierra supongo”. Luego este ser que apareció misteriosamente en la casa del guionista se hace identificar como EL ETERNAUTA y de ahí se empezará a contar su historia y por qué terminó allí, en ese tiempo y ese lugar específico.

A mi placer y gusto, se la puede definir como una de las historietas argentinas más importantes de la historia que chorrean ciencia ficción por todas sus viñetas pero que destaca más allá de su contenido, el contexto. La primera publicación que salió en la revista Hora Cero Semanal allá por 1957 era para un público infanto juvenil con unos exquisitos dibujos de Francisco Solano López (1928-2011) muy detallistas a la vista y con un pulcro guión de Héctor Germán Oesterheld (1919-desaparecido en 1977) pero el panorama en esta nueva publicación es diferente: estamos en el año 1969, en la edición número 201 de la revista Gente (dirigida en su entonces por Carlos Fontanarrosa) y entre tantas propagandas, chimentos, fotos y debates entre historiadores se reedita la historia pero esta vez con dos grandes particularidades a la cual temeré, bajo la semblanza de mi editor, usar con la misma palabra: el tinte político y el tinte del trazo en los dibujos.

Como si hubieras sido sacudido por la explosión de un cascarudo contra un tanque sin previo aviso mientras intentas mantenerte con vida, voy a explicarte qué quise decir: para la época de esta publicación a Oesterheld se le ocurre mantener el hilo conductor de la trama original pero teñirla con un significado más político que ficcional gracias a la ayuda de los oscuros y adultos dibujos de Breccia.

La primera re-edición de este Eternauta de la revista Gente antes de comenzar contiene una pequeña introducción titulada “Después de la violencia”, haciendo una crítica al gobierno de La Revolución (la presidencia de facto de Juan Carlos Onganía) en la cual lo tilda de dar “cabida en sus filas a dos corrientes ideológicas tradicionales de nuestra política”. Así la historia comienza con el personaje “principal” Juan Salvo jugando al truco con sus amigos, su esposa lee y su hija dibuja y en un momento se desata la nevada mortal sobre Buenos Aires. Breccia para este punto ya hizo de las suyas: un trazo no muy detallista comparado a Solano López pero sí más sombrío, apagado, desgarrador que me doy el lujo de compararlo con las tiras de Sin City de Frank Miller. Una lucha constante entre tonos blancos y negros, donde los disparos contra una pared, por ejemplo, son como manchas de agua en una hoja llena de tinta negra.

La historia no se mezcla mucho con estos esbozos, pero denota un fuerte contenido político más fuerte que su edición antecesora ya que su autor cambió notablemente en esa época su postura. Un grupo sobreviviente que lucha por su vida y su supervivencia contra los invasores que tienen el apoyo de las superpotencias nos hace acordar a nuestra historia argentina.

Pelear hasta el final por una digna existencia contra un monstruo que nunca se lo llega a conocer del todo como la trama principal pero levantando una fuerte bandera de contenidos ideológicos y unas ilustraciones siniestras con pocos gestos y mucha más representación que detalle, son la mera “crítica” por la que para muchos esta edición del Eternauta llega a ser una versión maldita, pero para quien escribe es más un diamante raro en bruto de una larga y vasta colección de la historia del cómic argentino.

Luciano Brunelli

EL ETERNAUTA, UN LÍDER POPULAR

Cattaneo.

La primera vez que se publicó El Eternauta de Héctor Germán Oesterheld  fue en Hora Cero Semanal de 1957 a 1959. En ese entonces los dibujos estaban a cargo de Francisco Solano López. Desde ese momento la historieta marcó un antes y un después.

La segunda versión fue ilustrada por Alberto Breccia y emerge en el contexto siniestro de una Argentina estremecida. Azotada por un gobierno de facto instalado en 1966 y liderado por el dictador Juan Carlos Onganía.

En mayo de ese mismo año se había producido el Cordobazo, un importante levantamiento popular con huelgas en la capital cordobesa. La respuesta del gobierno militar fue una feroz represión que dejó como resultado víctimas fatales.

Lo historieta era publicada semanalmente por la revista Gente que se inclinaba por difundir notas de chicas lindas y galanes. En este contexto, el guionista da un enfoque político mucho más fuerte a su obra. Claramente este nuevo Eternauta no simpatizó a la ideología editorial que cuestionaba el accionar revolucionario.

Bajo la excusa de que las ilustraciones de Breccia eran “ininteligibles” y críticas a la forma de la historia, finalmente, Carlos Fontanarrosa -el editor de la revista- decidió poner fin a la publicación. Pero, bien como expresaron Guillermo Saccomanno y Carlos Trillo, las formas corresponden siempre con el contenido.

Lo que realmente molestaba a Fontanarrosa era que se hable de lo que su revista callaba. De un país donde la industria se destruía gradualmente y donde su cultura se veía obstruida por la enajenación de los medios.

De este modo, El Eternauta es una historieta emblemática. Refleja con gran lucidez y astucia la lucha de clases contra los países opresores sobre Latinoamárica. Mediante una metáfora -la de la invasión- relata este conflicto que será injusto y cruel. El autor deja en evidencia su gran compromiso social.

En esta historia, el país y la región se ven amenazados por un una fuerte nevada. La única forma de sobrevivir es evitando el contacto con los copos globulares que caían del cielo. Es por ello que los únicos que logran salvarse son quienes se encerraron o se cubrieron con trajes herméticos.

Frente a esto, Juan Salvo -el protagonista- debe dejar a su mujer y a su hija y salir en busca de elementos para la subsistencia y, más tarde, a combatir al enemigo. El campo de batalla: una ciudad desbastada. Muchos pierden la vida como consecuencia del ataque invasor.

La influencia política de El Eternauta es innegable. Contiene un alto contenido antiimperialista e intenta demostrar el fuerte poder de Estados Unidos y las potencias mundiales que ofrecen América Latina a los invasores de otro planeta.

Los enemigos están representados con las figuras de los cascarudos, los hombres robots y los manos, que respondían a “Ellos”. Pero, ¿quiénes eran ellos? Los invasores. El mal. Los encargados de dar las órdenes desde una nave.

El personaje de El Eternauta representa, sin lugar a dudas, la valentía y la lucha desinteresada por el pueblo y la Patria. Esto lo convierte en un símbolo de la historieta argentina y, por sobre todas las cosas, de la resistencia.

Su autor, Oesterheld, militante montonero que debió pasar a la clandestinidad, fue desaparecido el 27 de abril de 1977 en manos de la dictadura más sangrienta de la que se tenga memoria tras finalizar el guión de la segunda parte de la tira.

Juan Salvo, el hombre de los ojos color para siempre

Por Nahir Saieg

Hay historias que son escritas en un determinado tiempo pero que sin embargo siguen siempre vigentes. Hay historias que lentamente se van transformando en clásicos, y El eternauta de Héctor Oesterheld y Francisco Solano López va en camino a serlo. 

Quizás El eternauta pueda en algún tiempo cercano gozar de esta condición por varios motivos. Oesterheld supo combinar perfectamente sus inquietudes metafísicas respecto a esas dimensiones de las que tan poco se sabe, como lo son el espacio y el tiempo, y ese bagaje cultural que su condición de lector asiduo de ciencia ficción le brindó. Una combinación fatal para una historieta argentina que carecía de un hito. 

Sin embargo, lo más sorprendente de la historia que lograron construir junto con Solano López es esa noción de “héroe sin capa”. Hasta el momento todas las historias de ciencia ficción eran ubicadas en los EEUU. Ciudades como Nueva York o pequeños condados yankees eran el epicentro preferido de los escritores. Sin embargo esta historia comienza en Vicente López, cerca de mí, cerca de vos y de cualquiera que se anime a adentrarse en el mundo de El eternauta. Y el héroe no posee super poderes, ni es el más fuerte, ni más el apto, tiene miedos y sabe que él también puede morir en cualquier momento. Es solamente un tipo que quiere cuidar a su familia, es sólo Juan Salvo el hombre de los ojos color para siempre.

Todos esos factores, tan causalmente alineados, hicieron de El Eternauta la historieta argentina por excelencia. Fue publicada inicialmente en el semanario “La hora cero” entre 1957 y 1959. Tuvo gran cantidad de secuelas y reediciones, y tanto la historia original como la mayor parte de las continuaciones han sido objeto de frecuente análisis y controversia.

Una de las reediciones más llamativas, es la que se realizó en 1969 en la revista “Gente”. En este caso a Oesterheld lo acompañó como dibujante Alberto Breccia. Esta edición fue teñida de un tinte mucho más político, se afirmaba literalmente que las grandes potencias habían entregado Latinoamérica a los invasores. Su fuerte crítica política y su aguda visión social llevaron a la interrupción abrupta de la publicación en la revista. Esta versión no fue bien recibida por la dirección de la revista ni por el gobierno de Juan Carlos Onganía, y debió darse por terminada antes de tiempo.

El eternauta pretendía camuflarse entre las frivolidades cotidianas de la farándula porteña, pretendía esconderse en las páginas de Gente y despertar una conciencia social, pero no lo dejaron. No “coincidía” con el perfil de la revista y mucho menos con el de sus lectores. No había allí un lugar para contar que los seres humanos también tienen un lado oscuro, y que éste sale a relucir en las situaciones complejas. Por qué le iban a contar al pueblo que sólo unidos los seres humanos pueden sobrevivir y luchar contra el enemigo, ¿para qué? No vaya a ser que se les ocurra hacer un paralelismo entre esos extraños invasores, esos enemigos ficticios de historieta y la sociedad argentina. Era mejor no arriesgarse. 

Los vanguardistas dibujos de Breccia que, oscuros y enigmáticos, buscaban configurar el cruel estilo que había adquirido el guión, no tuvieron lugar en la estética revista de moda. Los punzantes diálogos de Oesterheld que pretendían lastimar, causar dolor, despertar del letargo al pueblo y que sin embargo no fueron lo “suficientemente buenos” para seguir siendo publicados. 

Pero no pudieron, no lo lograron y dudo que alguien alguna vez vaya a lograrlo. El eternauta vio muchas cosas, y recién ahí, después de ver tanto pudo entender todo. El eternauta sigue vigente, seguirá despertando mentes aletargadas que dibujan historietas en un escritorio. El eternauta seguirá luchando contra el invasor, aún cuando sepa que la guerra probablemente esté perdida. El eternauta seguirá viajando por la eternidad para despertar a todos los pueblos dormidos que no luchen contra el imperialismo. El eternauta podés ser vos, puedo ser yo y podemos ser todos.

Una mirada taciturna, por el lápiz de Joe Sacco

Joe Sacco es un periodista conocido por sus crónicas representadas a través del comic. Es un gran referente de este singular género que muestra el medio camino entre la labor periodística y el relato gráfico. Nació en octubre de 1962 en la Republica de Malta, un país insular miembro de la Unión Europea. Alguna de las obras más reconocidas fueron: “Palestina: en la franja de Gaza” y “Gorazde: Zona protegida”.

Después de dedicarse a los comics románticos, a finales de los 80 comienza a recorrer el mundo. Allí se engendran las primeras historias marcadas por la impronta personal de Joe Sacco, historias que formarían parte del volumen “El final de la guerra”.

Esta obra contiene dos relatos principales ubicados temporalmente una vez concluida la guerra de Bosnia. Por un lado muestra la vida de “Soba” un ex combatiente voluntario. Después de perder a toda su familia y a gran parte de sus amigos, actualmente, dedica su tiempo en bares nocturnos y tocar la guitarra con su banda “Z.O.C.H”. 

La segunda historia que presenta este volumen es “Navidad con Karadzic”, en esta deja de lado lo emotivo y biográfico para darle lugar a un relato cargado de un humor negro y situaciones casi absurdas. En ella Sacco descubre una noticia que no se hará presente en los diferentes medios de comunicación, mientras persiguen a un criminal de la guerra.

Joe Sacco muestra personajes deprimentes y taciturnos, enmarcados más todavía por el sello de su lápiz. Este es para el comic lo que para el arte es el realismo. Nada es exuberante, ni bello, ni excesivamente desastroso. Simplemente es.

En “Final de la guerra” se hace presentes la realidad en su máximo alcance. La realidad que debe sobrellevar una sociedad todavía arrasada y devastada que, como en el caso de Soba, solo busca consuelo en las noches y en aquella gran compañera que es la música. 

Los gráficos son melancólicos, muestran personajes de grandes ojeras y ojos tristes. La misma presencia Joe Sacco, autoplasmado en su obra, deja una interesante sensación de verlo siempre como espectador partícipe y a su vez ajeno a todo lo que ocurre, tal y como debe ser.

SEGUNDO PARCIAL DEL SEMINARIO

Consignas para el segundo parcial

Mirar los siguientes capítulos del programa televisivo Continuará (Encuentro. Conducción: Juan Sasturain):

Héctor Oesterheld, Solano López y El eternauta:

http://www.youtube.com/watch?v=nwJJw1OA6DE

Solano López y El eternauta:

http://www.youtube.com/watch?v=lgw5q527oUc

Leer la historieta El eternauta (1969).

Guión: Héctor G. Oesterheld. Dibujos: Alberto Breccia

Prestar atención especial al prólogo contenido en el mismo libro.

Descargar: http://www.mediafire.com/?idm6o2az115xvzy

La realización del parcial será durante la clase del miércoles 02/07

EL FINAL DE LA GUERRA DE JOE SACCO

Cattaneo.

Joe Sacco es una personalidad muy interesante para el mundo. Si bien en 1981 se graduó de periodista, se destaca por ser un autor alternativo de cómics. Entre sus mayores éxitos están “Palestina: en la franja de Gaza” y “Gorazde: Zona Protegida”.

Lo innovador del autor está ligado a su idea de realizar periodismo a través de historietas -es decir, de una serie de dibujos que constituyen un relato-. Sus obras navegan entre el cómic underground y la crónica periodística.

El “Final de la Guerra” es un álbum de historietas que realizó antes de consagrarse con sus dos grandes éxitos. El mismo contiene dos historias breves referidas al fin de la Guerra de Bosnia.

“Soba” es la primera de ellas y cuenta las vivencias de un artista guerrero sarajevita que logra seducir al Occidente con su música. De este modo manifiesta la crueldad de la guerra. Una demostración de la importancia de los detalles cotidianos, capaces de sobrepasar cualquier cultura y conflicto.

Por su parte, en la segunda historia, “Navidad con Karadzic”, ya no recurre al enfoque emotivo y sentimental, sino al humor negro. En la misma obtiene una noticia que no saldrá en los titulares, mientras persigue a uno de los criminales de la guerra serbobosnia más buscados.

Claro está que toda guerra deja cierto dolor, angustia y mucha sangre. La Guerra de Bosnia no fue la excepción y Sacco refleja con gran astucia y autenticidad estas complejidades que le tocó vivir al mundo.

Con el fin del conflicto y el advenimiento de la paz, Sarajevo había sido desbastado y debía recomponerse. Ante esto, Soba tomó una decisión difícil: la de abandonar su país, al que más tarde volvería.

Sacco logró impresionar al mundo con sus trabajos, no sólo por los relatos de situaciones conflictivas y de zonas peligrosas, sino por su formidable capacidad de transmitir tantos tipos de sentimientos como cantidad de ilustraciones hay en sus historias. Sabe manejar los planos a la perfección, a través de los cuales controla las sensaciones del lector.

Bogar por esta opción de periodismo puede resultar sorprendente para quienes nunca se acercaron a los comics. 

Una mirada a la obra de Sacco

Una mirada a la obra de Sacco

Palestine

"Palestina, en la Franja de Gaza" es un libro recopilación de comics del reconocido autor Joe Sacco. La historia que transcurre durante el invierno de 1991 y 1992 en sí está basada con un tinte periodístico cronológico con una serie de entrevistas en su mayoría en Jerusalén y alrededores a dicha zona de conflicto. Joe relata con el testimonio directo de quienes serán sus personajes y trata de estar dentro del conflicto de palestinos que viven en Israel, una problemática sin solución hasta hoy en día.

La línea temporal del relato y los hechos que acontecen resulta llevadera, de a ratos suena irónico e imagina parodias que se evidencian en los trazos de los diálogos y viñetas. Agrega un vasto análisis con explicaciones sobre lo que ocurre en esos tiempos que ayuda a cualquiera que se le presente el material ubicarse temporalmente sin necesidad de consultar una bibliografía externa. Una clase de historia en pequeñas cuotas sin perder el sentido de la obra.

Sacco se retrata con rasgos marcados para no pasar desapercibido pero hasta a veces se torna grotesco al caracterizar a sus entrevistados. Con su gráfica y la espacialidad que rellena, no tiene un tamaño predeterminado, lo que nos puede llevar a una hoja donde nos hundimos en la vorágine de la ciudad del Cairo como a una charla en un barco orientando la imagen a un grado de 45º grados que podría generarnos tortícolis. Párrafos enteros o recuadros apartados en pequeñas partes de la hoja hacen mover constantemente la vista para no perderse nada del panorama. El blanco y negro como colores únicos demarca la simpleza pero a la vez una extensa variedad de usos: desde un paisaje extenso como el Valle de Kidron hasta las expresiones más finas de una señora mayor con la que compartió viaje al final de la historia.

Sacco no se aparta en ningún momento de poner en claro su postura gris a la hora de reflejar la cultura y creencias de pueblos israelita y palestino. Mostrando rasgos, sus conductas y cómo se comportan frente a su presencia. En sí anuncia, da testimonio, declara, expone ambos pueblos con miradas en primera persona.

Luciano Brunelli

"En la franja de Gaza": breve clase de historia

A mediados de la década de los noventa, fue publicada esta obra del conocido autor de comics, Joe Sacco. "En la Franja de Gaza" está ilustrada en un contexto periodístico del invierno de 1991 y 1992, basado en una serie de entrevistas en Jerusalén y alrededores. Es así como intenta relatar con el testimonio directo de los implicados, la situación que se vivía en Israel respecto al pueblo Palestino -problemática que aún hoy sigue sin solucionarse-. A partir de distintas vivencias, él narra las diferentes situaciones en carne propia exponiendo sus experiencias en forma de historieta.

Su manera de relatar los hechos resulta amena y llevadera, de manera que por momentos trata irónicamente algunas acciones y hasta recrea una especie de parodia que se evidencia en las características de sus dibujos y diálogos con las personas que allí se relaciona. No sólo eso, también brinda un sintético pero rico análisis y explicaciones sobre cuestiones históricas que ayudan a centrarnos en aquella época protagonizada por la antagónica de los Israelíes y Palestinos. Resumiendo, es una clase de historia en pocas líneas.

Se dibuja a él mismo con rasgos muy marcados que diferencian a él de los demás personajes y así nunca pasa desapercibido en las secuencias. En tanto a las viñetas y el gráfico que rellena a los protagonistas, no se inclina por un mismo tamaño sino que varía en formas irregulares como así también en las distintas direcciones con que la están colocadas las cajas de textos: en columna, con inclinación, párrafos enteros o sentencias cortas. Vale destacar que sólo usa el blanco y negro y lo demarca de una forma muy soberbia, detallando por un lado lo central y por otro lo secundario como el paisaje, vehículos y demás.

A la hora de reflejar las distintas culturas, vivencias y creencias de los Palestinos e Isralíes, Sacco se muestra equitativo para las dos partes ilustrando y mostrando cada detalle de las personas, sus rasgos, su apariencia, su forma de hablar y cómo se comportan frente a él. Forma una especie de testificación de ambos pueblos con figuras reales y anónimas que demuestran sus pensamientos en primera persona.

El final de la guerra

Por Nahir Saieg

Joe Sacco es capaz de transformar los conflictos actuales en experiencias íntimas e inmediatas. Es un dibujante de cómics americano, conocido por sus novelas gráficas dedicadas al conflicto palestino o la guerra en los Balcanes, como En la franja de Gaza o Gorazde. Es Licenciado en periodismo, y ha utilizado sus cómics como elemento de periodismo de denuncia, consiguiendo numerosos premios. 

En el libro "El final de la guerra", se recopilan por primera vez las historias de Soba y Navidad con Karadzic. En Soba, Joe Sacco captura el tormento interno de un artista guerrero de Sarajevo que cautivó a los medios de Occidente con su guitarra y sus fiestas.

Resulta sorprendente el periodismo en modo de cómic y más aún que la temática recurrente en Joe Sacco es siempre la guerra. Como si fuera experto en transmitir esas emociones fuertes que desprenden los conflictos bélicos, el dolor y olor a sangre que queda en cada lugar devastado.

Este cómic es oscuro, quizás porque toda guerra es oscura. Quizás porque la ciudad principal de los acontecimientos, Sarajevo, fue el asedio más prolongado en la historia de la guerra moderna. Quizás porque la guerra de Bosnia es todo un rompecabezas en la historia mundial. Con imágenes intermitentes, alternando entre la crueldad de la guerra y la connotación sexual de las noches de Soba, Sacco cuenta una historia. La historia de un artista al que le tocó ir a la guerra, un artista que mató y vio morir. Un artista cuyo arte de ahora en adelante jamás será el mismo. La presencia de la muerte deja grandes rastros.

El final de la guerra es un muestrario de esa sensación de alivio que le sucede a la guerra. La paz, que es tan anhelada, tan deseada, pero a la que sin embargo no se sabe cómo reaccionar. Después de tanta violencia y tanto dolor, ¿Cómo se vuelve a la paz después de tanta guerra? No resulta fácil volver a la rutina y hacer como si nada hubiese pasado. Volver a la paz ¿qué significa?

Un enigma que seguramente se le ha hecho presente a todos los bosnios, y también a Soba. La primera decisión que toma es escapar, huir, irse a otro país. Si su casa ya no es la misma, si su familia ha muerto, ¿para qué permanecer en Sarajevo? Y sin embargo con el correr del tiempo encuentra nuevamente su lugar, se reacomoda a la nueva situación. Nada es como antes, no va a ser fácil, pero al menos… hay paz.

¿El rock está apagado?

No. El rock no está apagado, si no que se encuentra tapado. Existen muchísimos músicos nuevos, nacieron interesantes propuestas y se están encontrando caminos nuevos para el género. Pero quienes se encargarían de publicarlos, fotografiarlos o exponerlos, siguen intentando lustrar lo que ya no tiene vigencia. La muestra fotográfica “ Retratos del Rock”, es una prueba explicita del moribundo rock del mainstream argentino. La mayoría de las fotos son tomadas en primer plano y no dicen mucho. Son rostros conocidos, poses repetitivas y hasta en algunos casos aburridos. Celeste Urreaga (la fotografa), quiso hacer algo distinto pero su propia idea termina traicionándola. Coincido con Joaquin Fernandez, periodista que también cubrió esta muestra, en que el contenido es escaso. Y aun peor es repetitivo. “Las imágenes fueron tomadas en un ámbito privado y los músicos fueron conscientes de ello ya que en la mayoría de las fotos se encuentran posando, haciendo muecas y divirtiéndose frente al lente de la cámara de Urreaga”, escribió Fernandez. La realidad es que las poses no son muy distintas las unas de las otras y algunas están demasiado sobreactuadas. Solo algunas fotos se logran destacar en esta monótona exposición. Una en especial captó mi atención, mostrando solo los ojos de Andres Calamaro con un perfecto plano detalle. Los ojos del músico tienen un color rojizo en su piel aproximándose al globo ocular, y se encuentran entre cerrados, como haciendo fuerza para no desaparecer. En ese ejemplo se le puede conceder un valor artístico a Urreaga, retratando la mirada de lo que es Calamaro, un ser conocido como “los reventados” del rock. Otra valoración positiva es la de acompañar a cada imagen con una frase o cita del personaje fotografiado. Recomiendo en especial ver la de Cristian Alvarez( pity ). Entre los artistas retratados se encuentran: Claudio Kleiman, Ana Naon, Cristian Barnes, Cuino Scornik, Andres Calamaro, Negro García Lopez, Adrian Otero de Memphis la Blusera, Cachorro Lopez de Los Abuelos de la nada, entre otros. Tal vez fue muy inocente de mi parte esperar encontrarme con algún artista contemporáneo. Es válido destacar que era la única persona en el Centro Cultural Fontanarrosa. Esto fortalece mi punto: Si se sigue haciendo lo mismo, apostando a lo que alguna vez funcionó, poca vida le queda al género. No solo hay que intentar hacer algo distinto, como intento fallidamente Urreaga, si no también buscar en otros lugares a los artistas. Tal vez es hora de abandonar el facilismo de descubrir bandas que suenan en las radios y salen en las revistas especializadas y adentrarse en el Underground de nuestro país. La impresión que deja la muestra fotográfica, es que el rock está muerto. Pero no está muerto, si no perdido y hay que buscarlo.

Fotografiando leyendas musicales.

En esta muestra fotográfica llamada Retratos del Rock, la fotógrafa Celeste Urreaga invita al público a que realice una recorrida por distintas imágenes de los artistas mas destacados del rock nacional.

“Retratos del Rock” es la muestra fotográfica que se expone en el Centro Fontanarrosa desde el jueves 29 de Mayo hasta el 29 de Junio. Es una colección fotográfica de destacados artistas del rock nacional, realizada por Celeste Urreaga. Este trabajo nos muestra a los artistas del género desde un punto de vista que no solemos ver. Es una recorrida divertida y poco habitual que la fotógrafa intenta que el espectador realice dentro del universo del rock argentino.

 Celeste Urreaga con esta exposición invita al público y propone que, si bien es algo divertido, es una experiencia en la que el juego es una cosa seria. La artista con esta muestra revela su fanatismo y conocimiento sobre el queridísimo y renombrado rock nacional. Llega a recorrer lugares poco usuales de diversos artistas del género. Se podría decir que lleva al espectador a dar una vuelta sobre “el lado b” de estas leyendas musicales.

Las fotografías no tienen nada de especial, ya sea como grandes efectos fotográficos, ni manipulaciones con photoshop, o frases referentes a cada músico. Pero lo que sí se podría destacar es que por una parte muestra una parte natural de estos cantantes, y por otro lado los deja jugar, y hasta los hace posar, como si tuviera en frente a modelos acostumbrados a sesiones fotográficas.

La colección es variada, aparecen planos horizontales y verticales, imágenes a todo color, en blanco y negro, en tonos sepia. Algunas son más nítidas que otras, algunas hacen mas hincapié en el rostro del personaje y otras se enfocan en que éste aparezca de cuerpo entero. Mientras que unas solo cuentan con un fondo oscuro, hay otras que tienen de fondo un panorama distinto, ya sea un paisaje o una escena montada especialmente para la fotografía.

Cada retrato está acompañado por alguna frase del artista, ya sea una declaración o un fragmento de canción, y también se pueden observar comentarios que hace la propia Urreaga. En el retrato de Adrián Otero, cantante de Memphis la Blusera, Celeste escribe:

“Buscándote”. Me decía mientras trataba de hacer foco en mí, cerrando un ojo con un extraño gesto en su rostro. Jugamos, hablamos, reímos. Poco tiempo después te fuiste. Te seguimos extrañando.

De esta forma ella expresa diferentes sentimientos por los distintos artistas que tuvo la posibilidad de fotografiar. Supo captar rasgos que no son de los más comunes en todos ellos. Supo cómo desnudarle aunque sea una mínima parte, acercarlos un poco más al público.

Coincidiendo con la nota de Joaquín Fernández, la muestra fotográfica es escasa en contenido. No muestra la parte más conocida y lo que hace especiales a estos artistas. No los muestra ni componiendo, ensayando, tocando algún instrumento o cantando frente a miles de fanáticos. Los muestra como personas comunes, ocultando tal vez la cara que estos músicos siempre muestran. Si ese era el objetivo de Urreaga, lo cumplió de forma favorable. Pero arriesgó la muestra llevándola a que sea aburrida y que despierte poco interés en quien quiera ir a verla.

Debate sobre la criminalidad en Rosario

Ayer, en el Museo de la Memoria, y con motivo de la celebración del Día del Periodista, se llevó a cabo el encuentro "Nosotros y los otros: debate periodístico sobre la criminalidad en Rosario", el cual estuvo a cargo de los periodistas Hernán Lascano y Silvina Tomaus. El evento comenzó a las 19hs, tal como estaba pactado y tuvo como epicentro el tema de la violencia producida en la ciudad de Rosario. Tomaus fue la primera en tomar la palabra y explicar acerca de que este fenómeno no es algo nuevo, como gran parte de los medios de comunicación lo expresan, sino que ya se venía gestando hace mas de 20 años y con la misma crudeza. Lo que ocurre es que en los últimos años los temas policiales han tomado una trascendencia social que antes no tenían. Los medios de comunicación han descubierto que estos generan gran atracción y es por eso que le dedican tanto espacio. Esto, sumado al sensacionalismo con el que son tratados los temas, provocan ventas y puntos de rating altamente redituables para los mismos. Claros ejemplos fueron el caso Pomar o el de Ángeles Rawson. Durante la charla trataron de limitarse a la criminalidad a nivel local. Aclararon que los hechos de violencia son en gran parte producidos por causas relacionadas al narcotráfico pero que muchas veces por falta de recursos, de tiempo, y en algunos casos por irresponsabilidad de los periodistas, otros hechos son englobados bajo este mismo tema. Le dieron importancia a la existencia de otra causa que genera muchas víctimas fatales en la actualidad y que es la falta de tolerancia y respeto existente entre las personas. Hechos y situaciones que en el pasado quedaba en la nada o no pasaban a más de una discusión, hoy terminan en agresiones físicas, muertes o posteriores hechos de venganza. Según ellos esto se debe principalmente a la ausencia del Estado en cuestiones de educación y contención para aquellas personas que más necesita de su presencia. Además coincidieron en que gran parte de la responsabilidad del alto nivel de criminalidad y violencia que se vive en la ciudad la tienen aquellos que deberían brindarnos seguridad y tranquilidad; estos son, la policía, la Justicia y el Estado. Con respecto a la primera, se refirieron a la relación que tienen con los delincuentes. Forman parte de un mismo negocio, ya sea a través del pago de coimas, de “permisos” para instalarse en determinados lugares, actuando entre ellos de informantes y hasta prestándose armas de fuego. Así fue como lo afirmó Lascano, quien aseguró que a través de una fuente se enteró de cómo y cuando la policía le prestó sus armas a la barrabrava de Newell´s para realizar un “operativo”. En relación a la Justicia ejemplificaron con el caso del Juez Carlos Vienna, quién habría viajado en más de una ocasión con el padre del “Fantasma Paz”, presunto integrante de la banda narcotraficante Los Monos. Y con respecto al Estado, se refirieron a su negligencia y falta de mérito, y dieron como ejemplo el hecho de la carrera profesional que realizó Hugo Tognolli bajo la conducción de Hermes Binner, quien siendo jefe de la policía santafecina se vio involucrado en negocios con el narcotráfico. En el cierre del debate los periodistas permitieron a los presentes evacuar sus dudas a través de preguntas. La información que estos brindaron sirvió a aquellos que estaban presentes para darse una idea de cuáles son las causas de la situación que se está viviendo en la ciudad, cuáles son sus consecuencias y cuáles pueden ser las posibles soluciones, hecho destacable, ya que sirve para crear conciencia critica de la realidad en la que se vive. JOAQUIN FERNADEZ

Un lugar para nuestros abuelos

El jueves 5 de junio se inauguró en el barrio Norte San Lorenzo el Centro de Día Recreativo para adultos mayores con el fin de crear un espacio educativo, didáctico y recreativo para los ancianos oriundos de la ciudad.

La ciudad histórica ha crecido notoriamente en los últimos diez años. Diferentes centros y plazas han sido inaugurados por el municipio como también obras estructurales para mejorar la infraestructura de la localidad. Pero si algo faltaba era un espacio para los abuelos, para nuestros abuelos. Un lugar en dónde puedan encontrarse e integrarse todos juntos para afrontar las necesidades e inquietudes que surgen en la tercera edad como los miedos, inseguridades, soledad, entre otras. 

Es por eso que el pasado jueves nació el Centro de Día Recreativo para adultos mayores. Ubicado en Francia y Montevideo de barrio Norte en su límite con Díaz Vélez, fue presentado por el intendente Leonardo Raimundo luego de un breve acto formal en conjunto con Adultos Mayores, agentes de Bomberos Voluntarios de San Lorenzo, personal policial, vecinalistas, titulares de geriátricos, funcionarios de gabinete y concejales. Aquel lugar fue un edificio de la vieja estación de trenes sanlorencina.

Pero aquí, lo importante no es quién lo realizó ni quienes participaron, lo interesante es que nuestra ciudad contará con un lugar para la tercera en dónde, a partir de los 60 años, podrán inscribirse y gozar de actividades educativas, recreativas y culturales tales como: cursos de computación y música, ciclos de cine-debate, yoga, gimnasia, charlas de salud y actividades sugeridas por los abuelos. Estará atendido por encargados y cuidadoras domiciliarias que cubrirán las necesidades que surjan en las distintas labores. 

La idea de este centro es que las actividades vayan surgiendo a partir de las propuestas de los mismos inscriptos. Nadie quedará excluido y todos podrán compartir sus experiencias en un clima ameno en dónde los protagonistas serán ellos y por un rato podrán dejar de lado la preocupación que suele invadir a los abuelos a causa de sentirse solos o aislados. 

Este espacio puede llegar a mermar la internación en los geriátricos. Decisión que a veces conlleva a problemas familiares y distanciamientos a causa de estar de acuerdo o no y que a los que más afecta es a los ancianos. En San Lorenzo, esta práctica suele ser la más común y de algún modo la más “fácil”. Una alternativa de esta índole, les permitiría a los miembros del Centro de Día Recreativo salirse de los cauces normales que constituyen sus rutinas para liberarse ya sea con la música, pintando o dibujando, mirando una película, informándose sobre las enfermedades propias de la tercera edad, realizando ejercicio físico o tan sólo hablando entre pares.

Sin dudas, era lo que hacía falta en materia de servicios y por sobre todo, un servicio que aporte a lo cultural. En esta sociedad tan individualista que a veces discrimina, se olvida y llega a no darle valor ni tenerles paciencia a las personas mayores, en realidad omite que son aquellas que nos han enseñado cómo fue nuestro pasado y nos aconsejan sobre cómo afrontar nuestro futuro.

NUNCA MÁS "EN MI NOMBRE"

Cattaneo.

Ángela Pradelli presentó en el Museo de la Memoria de Rosario su libro “En mi nombre” que habla sobre la restitución de identidades arrebatadas por el terrorismo de estado.

El pasado lunes 9 de julio a las 19 se llevó adelante la presentación del libro “En mi nombre”, de la escritora Ángela Pradelli, en el Museo de la Memoria (Córdoba 2019). La actividad fue organizada en conjunto por docentes y alumnos del Complejo Educativo Alberdi y el mencionado Museo.

El libro está subtitulado “Historias de identidades restituidas”, habla sobre la búsqueda de niños apropiados durante la última dictadura cívico-militar que se extendió de 1976 a 1983. Cuenta la vida de Manuel Gonçalves Granada, Ángela Urondo Raboy, Macarena Gelman García Iruretagoyena, Leonardo Fossati Ortega y Jorgelina Paula Molina Planas.

El acto se llevó a cabo en la planta baja y estuvo a cargo de Rubén Chababo, director del Museo. Se realizó a micrófono abierto y hubo vasta participación del público, que interpeló a la autora.

“Uno nunca sabe muy bien porqué escribe los libros que escribe. Vengo leyendo estas historias hace muchísimo, incluso cuando salía en muy pocos medios como Página/12. Ahora estas historias son más conocidas, circulan y hay documentales por televisión”, dijo Pradelli sobre la idea de escribir sobre esta temática, y continuó: “Cuando terminaba un documental o terminaba de leer y me quedaba con más preguntas que respuestas de cosas que no había entendido”.

“Son historias tan tremendas, pero en algún punto también tan felices porque las narré desde esa zona de felicidad y emoción que tienen cada uno de ellos por saberse que son quienes son y quienes sus padres querían que fuesen”, expresó.

Sobre sus entrevistas con los protagonistas aseguró que “a Manuel (Gonçalves) lo iba escuchando y lo interrumpía muchísimas veces porque no lo entendía y él me dijo ‘quedate tranquila porque nadie entiende, es muy difícil’. Se mezclan los tiempos, se mezclan las personas. A veces pasa que uno no puede dimensionar, no puede comprender tanto mal”.

“Lo escuché a Manu y pensé que ninguna historia iba a ser como ésta y cuando hice cada una de las otras pensé lo mismo. Todos los relatos mientras las estaba escuchando me parecían que eran los que más me habían impactado. Me conmovieron muchísimo todos las historias, el modo en que las narran”, aseguró.

Además, la escritora contó que algunas historias no fueron incorporadas al texto: “Me comuniqué con una persona que sabía una historia y también sabía que es alguien a quien le cuesta muchísimo contarla. Tuvimos un encuentro con ella, dio su testimonio, yo escribí una primera versión y cuando se la mandé tardó en contestar. Me había parecido raro que aceptó participar. Un día me llamó y me dijo ‘no sé qué me pasa con la narración, es demasiado fuerte para soportarla. Yo podría ver lo que dije en un testimonio pero la historia contada me pasa por encima, me aplasta’”.

También se refirió a Ángela Urondo: “Es hija de Paco Urondo y Alicia Raboy, una joven periodista cuando desapareció. Ángela sabe la verdad después de mucho tiempo y cuando va a algún lado es nombrada como la hija de Paco, entonces ella siente que socialmente están haciendo desaparecer nuevamente a su madre”.

“Se habla de ‘nietos recuperados’ como si todos hubiesen vivido la misma historia. Sin embargo son todas las historias muy diferentes”, cuestionó. Y agregó: “También hubo adopciones ilegales de buena fe. En el caso de Leonardo Fossati Ortega sus padres no sabían cuál era el origen de ese chico. Incluso cuando sus padres del corazón se enteran sufren de una depresión tremenda. La madre logra salir y el padre no, se enferma”.

“Quizás fue el libro que más me enseñó a escribir porque lo hice en contra de todo lo que sabía, en contra de toda la teoría narrativa y de lo que dicen los decálogos que uno se lee y que tanto ayudan a la hora de escribir. Pero me entregué a la escritura”, finalizó la autora.

Inauguración de Retratos Del Rock

Inauguración de Retratos del rock

Dentro de los ojos de Celeste

Sensualidad y música es el resumen de la apertura de Retratos Del Rock.

Llegó a Rosario la muestra de la que todo el rock nacional está hablando: Retratos del rock. Por la noche del jueves 29 de mayo, y con una importante cobertura de parte de los medios se inauguró con lujo y detalles.

Entrando por la puerta principal del Centro Cultural Fontanarrosa me encuentro con algunos colegas periodistas, fotógrafos y hasta amigos músicos que se acercaron a ver de qué se trataba. Me cruzo entre tanta gente a Rafael Ielpi, director del lugar, y me cuenta: "desde el Martes a la mañana están con esto, es increíble como lo terminaron" y agrega "que bueno que vino mucha gente, pleno día de semana y no lo esperábamos". 

Panorámica previa a la apertura de la muestra.

Claramente mucha gente recorriendo y disfrutando pero empezó tarde como todo buen recital de una banda. Algún que otro contratiempo no detuvo la magia de la noche en la que se podía disfrutar de algún tradicional ágape con una cerveza mientras charlabas con la directora y creadora de la exhibición, Celeste Urreaga. Esta señorita licenciada en Ciencias Políticas de la UBA nacida en Neuquén y amante de la fotografía amateur, sin conocerla podemos llegar a decir que es portadora de una personalidad rockera: tatuajes esparcidos en su cuerpo como pinturas esparcidas al azar en un lienzo y llevando sobre sí misma un llamativo vestido que robaba las miradas de los hombres presentes. 

Unas de las particularidades de la noche fue el recital acústico de la banda Mamita Peyote que luego de 3 canciones dejaron ganas de bailar. Otro punto negativo de la muestra, además de la impuntualidad ya mencionada, fue el poco interés que se le dio a una atracción de la muestra: una proyección con el backstage de los retratos y una seguidilla de fotos de artistas de nuestra ciudad que se acercaron a ser capturados por el ojo de Celeste.

Fabián Gallardo (foto), uno de los músicos locales convocados a la sesión de fotos.

A pesar de todo la colorida inauguración, la buena música y una cerveza de por medio no hay que dejar de lado lo que se iba a visitar. Esta exhibición conceptual en la que grandes músicos del rock nacional (por nombrar algunos: Andrés Calamaro, Marcelo Moura, Cachorro López, Gustavo Cerati, Pity Álvarez, etc.) se destacan únicamente por lo que quieren retratar. La autora no busca dar muchas vueltas en que quiere expresar del músico sino que quiere usar su cara para transmitir un mensaje simple y claro. Eso es clásico de una persona que se cuelga una cámara y que gracias a un corto curso de fotografía puede fotografiar lo que quiera. Pero Celeste no es únicamente eso, utiliza cuestiones creativas y las imagina y las traslada al plano real y quedan impresas. Pero aún así "Retratos del rock" es una invitación a la diversión, a la apertura y a la libertad. Es una construcción entre la fotógrafa y el músico y lo que se busca indagar es la esencia misma de los retratados. Es una invitación a ser libres en cuerpo y alma: entrar a una nueva dimensión y dejarse llevar por una experiencia en la que el juego es una cosa seria. Es la consolidación de una forma personal de entender una ideología, una cultura. Sin ataduras y, en algún punto del trayecto, descarga su potencia revolucionaria.

Una de las obras que más me gustó: Hilda Lizarazu.

Luciano Brunelli

UN RECORRIDO POR EL MUSEO EVITA

Cattaneo.

El Museo Evita fue creado por el Ministerio de Cultura de Presidencia de la Nación. El edificio, ubicado en calle Lafinur fue adquirido en 1948 por la Fundación Eva Perón para llevar adelante un hogar de tránsito para mujeres del interior con problemas de salud, trabajo, documentación o vivienda en su paso por Buenos Aires.

Al mismo tiempo, desde el año 2000 allí funciona el Instituto Nacional de Investigaciones Históricas Eva Perón del cual depende el museo que fue inaugurado el 26 de julio de 2002, en el aniversario número 50 de su fallecimiento. El mismo está presidido por Cristina Álvarez Rodríguez, sobrina nieta de Evita.

En la exposición se plantea un recorrido por las distintas etapas de la vida de la “abanderada de los humildes”: María Eva Duarte, la niña bonaerense hija extramatrimonial que luego se transformó en actriz; Eva Perón o “la compañera Evita”, no sólo la primera dama, sino también la pieza fundamental de la vida política argentina; y Evita, el mito.

En primer lugar, hay un santuario de la protagonista, su típica imagen sonriendo con el rodete acompañada por un fragmento de “La Razón de mi vida” lleno de flores y velas. Luego, en una habitación con paredes negras y espejos, se proyecta un audiovisual que rememora su funeral. Allí mismo se expone una máscara mortuoria plateada con su rostro.

En el siguiente salón, pintado de verde, se propone recuerdos de su infancia y juventud. En las paredes está inscripta su biografía, con gigantografías y retratos de ella y sus padres. También hay pertenencias de su familia como diplomas, un reloj, una máquina de coser, medallas y libros.

Siguiendo con el recorrido aparece la Eva actriz: imágenes audiovisuales de escenas, fotos personificada, la claqueta de “La Pródiga” –la última película que filmó-, objetos y vestuario que utilizó.

En el hall del primer piso se expone un retrato gigante de Eva en la gala del Teatro Colon del 9 de julio de 1951 realizado con óleo sobre tela por Gino Mornesso. También se encuentra un mobiliario estilo provenzal del hogar de tránsito y varios ejemplares de “La Razón de mi vida”: uno de 1951, otro bilingüe castellano-japonés y árabe y escolares.

Por otra parte, en el próximo salón se evoca el 17 de octubre. Se recurre a la proyección de imágenes, fotografías, un uniforme y una gorra del Ejército Argentino y varios afiches que rezan lemas como “Perón cumple” o “Evita, mártir del trabajo” y tapas de periódicos de ese entonces que titulaban “Perón asumió ante el fervor popular”.

Más adelante se hace referencia al casamiento de Eva con el Coronel Juan Domingo Perón y se trata de mostrar a la Evita mujer. Pueden apreciarse sus vestidos de gala y cocktail, tapados, carteras, sombreros y perfumes.

Otra habitación está dedicada exclusivamente una medida trascendental en la vida de Eva: el voto femenino. Allí se puede visualizar publicaciones oficiales del Partido Peronista Femenino, el carnet de afiliación de Evita al PPF, su libreta cívica, documentos de mujeres que votaron por primera vez a partir de la Ley 13.010, una urna de aquellas elecciones. Además, hay un traje de la Evita política.

Otro de los cuartos temáticos tiene que ver con la Constitución de 1949 impulsada por el peronismo y donde se avanzó mucho en materia de derechos de segunda generación (sociales y laborales). En las paredes, pintadas de los colores de la bandera argentina, se realiza un recorrido por los puntos más significativos de la reforma.

La fundación Eva Perón también tiene su espacio en el museo y se pueden ver libros escolares, guardapolvos, pupitres y juegos y juguetes que regalaba desde dicha organización.

Atravesando un patio, se llega a un salón enorme donde se encuentran más objetos relacionados con la ayuda social. Hay indumentaria que proporcionaba la Fundación, vajilla y elementos de cocina del hogar de tránsito, heladeras y bicicletas.

El último de los salones retoma la muerte de la protagonista, donde hay un nuevo santuario con una virgen, imágenes del funeral, un cirio gastado con la frase “Señora Eva Perón, jefa espiritual de la Nación” que fue utilizado en el mismo. También hay un busto dorado y una placa rota que habían estado ubicados en la Intendencia de Balcarce y fueron destruidos y escondidos por las fuerzas militares tras el golpe del 16 de septiembre de 1955.

El museo puede ser visitado de martes a domingos de 11 a 19 hs. en Lafinur 2988 en el barrio de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires.

Ciclo de distensión y entretenimiento en la Biblioteca Argentina Dr. Juan Alvarez

“Encuentros para el alma”, así denomina Elbio Córdoba curador del espacio de cine alternativo o de culto que se dicta todos los martes en la Biblioteca Argentina Dr. Juan Álvarez.

El evento tiene lugar desde hace ya tres años, donde durante un mes se respeta una cierta temática. “Este año lo hacemos por países, pero años anteriores lo hacíamos por directores y el que viene lo haremos por género”, comenta el Elbio con entusiasmo. En el mes de junio el ciclo presenta al “Cine Británico” con respecto a las instituciones escolares. El mes pasado se trató sobre el rol de la mujer bajo la perspectiva francesa.

El martes 3 de junio se proyectó el film ingles de 1951 “La versión de Browning”. Dirigida por Anthony Asquith y protagonizada por Michael Redgrave, Jean Kent y Nigel Patrick. Premiada como mejor guion y como mejor actor (Michael Redgrave) en el Festival de Cannes.

El largometraje tiene como personaje principal a un profesor, Andrew Crocker-Harris, temido y odiado por sus alumnos que por problemas de salud debe abandonar su trabajo. Este a pesar de su larga trayectoria y de sus años en la institución a nadie parece preocuparle su retirada. Sin embargo una frase resonara al final de film. Unas palabras escritas a mano en un manuscrito de “Agamenón” de la versión de Browning: “A mi querido maestro con gentileza. Taplow”

Taplow es uno de los alumnos más distraídos, desordenados pero extrovertido del exigente profesor. Es él quien por momentos hace reflexionar al personaje principal sobre sus tiránicas actitudes. Y quien le deja como enseñanza al institutor que a pesar de sus rígidas formas su trabajo no fue en vano. Pues al fin y al cabo Taplow no reprocha al maestro, por el contrario le agradece.

Mientras tanto en la sala hay alrededor de cincuenta espectadores, que disfrutan del film con debida atención. Sus edades oscilan entre los 60 y 80. Estos a lo largo de la película comentan con euforia o desprecio algo sobre alguno de los personajes. Incluso un teléfono celular sonó a mitad de la sala y un hombre se incorporó enojado y dijo: “Apaga ese aparato che”.

“La gente utiliza este espacio para distraerse un poco, para escaparse un poco de la rutina”, dice Elbio Córdoba y agrega: “No es lo mismo mirar una película en tu casa que salir al exterior para hacerlo”. Además cuenta con entusiasmo que el ciclo comenzó con no más de diez espectadores y que hoy son más de cincuenta. “Esto se debe, en mucho de los casos, porque la gente está cansada del cine hollywoodense y busca algo nuevo en los clásicos, en la vieja escuela”.

Lo cierto es que el ciclo que se presenta en la Biblioteca Argentina Dr Juan Alvarez, no es el único. Demás entidades públicas como el “Cine Club” o “El Cairo” hace tiempo que otorgan espacio a este cine alternativo o de culto. Esto no solo significa un llamado de atención al cine comercial o al que actualmente acostumbra Hollywood sino también al consumo del cine como tal.